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    亚历山大钢琴演奏技术的分析与运用

    时间：2022-12-28 19:30:15来源：百花范文网本文已影响人

    董晨阳

    摘要：亚历山大钢琴演奏技术是一种在世界各国受到普遍认可的科学技术。其通过对意识和动作之间关系的揭示，从新的角度阐明了钢琴演奏中的多个要点，是对近现代以来钢琴演奏理论成果的重要扩展和丰富。对此本文简要介绍了亚历山大钢琴演奏技术，从演奏思维、演奏目标和演奏心态三个方面，结合演奏家和作品，就其具体运用进行了分析，以期起到相应的启示和借鉴作用。

    关键词：亚历山大技术 钢琴演奏 分析运用

    一、亚历山大技术的起源

    亚历山大技术由澳大利亚人费德里克·麦特里亚斯·亚历山大所创立，兴起于20世纪上半叶的欧美。亚历山大原本是一名歌剧演员，却突然因为不明原因而失声，并四处求医无果。后来他决定自我治疗，每天照着镜子反复观察和思考，最终发现是自己不良的体态和不当的用力方法导致失声。找到原因后，他又通过了无数次实验，探索出了一种科学的发声方法，治愈了失声。此后，他在此基础上进行了扩展和丰富，对自我意识与动作控制的关系进行了一系列深入的研究，创立了“亚历山大技术”。概括而言，亚历山大技术强调意识对动作的控制和干预，让人们可以感知肢体在运动中的状态，并通过意识不断引导其朝着正确、科学的方向发展，最终实现身心合一。该理论推出后，被迅速应用于声乐演唱、器乐演奏等领域，在缓解心理紧张、肢体疲劳等方面起到了良好的积极效果。1973年，诺贝尔生理医学奖得主汀博根在领奖台上发表演说时指出：亚历山大技巧不仅能改善人们的健康状况，增进活力，促进脑部功能，还能提高乐器演奏技巧，效果显著。”

    二、亚历山大钢琴演奏技术的内涵

    在钢琴领域，亚历山大技术可以增强演奏者肢体反应能力和感知能力，有效避免身体损伤，通过意识和动作的配合达到人琴合一的状态，让众多钢琴学习者受益匪浅。当今，世界多个国家都成立了亚历山大技巧协会，并获得了普遍的认可，是一种被无数音乐学习者公认的科学理念和方法。其内涵主要包含身心论、实践论和形体论三大部分。

    首先是身心论。亚历山大技术提出了以能量为核心的身心统一理论，最终目标是达到体态、心态和乐态的完美融合。即在能量的驱动下身体自然放松，用内心去控制自己的动作，获得理想的、符合内心标准的音色效果。对于身心统一状态的核心——“能量”，亚历山大技术中并没有做出明确的解释，而是称其为“暗默知识”，难以进行量化和定义，只能靠演奏者在多年的实践中体悟，或是有经验的教师不断引导。形成这种能量意识后，整个演奏质量将会有质的飞跃与提升。

    其次是實践论。亚历山大技术在具体的钢琴演奏中，对演奏者提出了诸多明确要求。首先，提倡自我审视与革新，通过对自我的长期观察，不断反思和完善;其次，提倡演奏者要积极面对现实，然后去查找原因并克服。比如所有演奏者都会出现的紧张问题，亚历山大技术认为逃避是不起任何作用的，只有勇于面对，并不断丰富个人的实践经历才能避免。再次，亚历山大技术强调演奏者对个人的严格要求。比如演奏者不能从事剧烈运动，以免造成肢体损伤，影响演奏效果。最后，亚历山大技术强调“适当抑制”。即演奏者在学习过程中，可以刻意放慢速度和停顿，这是一种“建设性”的休息，再次投入学习时则会充满力量。

    最后是形体论。形体论是亚历山大技术的基础，其对钢琴演奏者也在形态上提出了一系列要求。第一，演奏者应该建立起仪式感和敬畏之心。演奏时要严格遵照不同环境的礼仪要求，从着装到动作都要与环境相契合。第二，亚历山大技术强调钢琴演奏对个人修养的提升。其认为演奏者的动作其实是修养的外化，演奏者应提前对演奏动作进行设计，给观众以视觉和听觉双重美感享受。

    三、亚历山大钢琴演奏技术的解读与运用

    （一）演奏思维的重塑

    亚历山大技术的最突出的特点就在于强调并揭示了思想和身体的紧密关系，在充分认知自身形态条件的基础上，用意识去支配动作，达到心目中理想的效果。在此基础上，还开发出了“身体感官地图”，详细阐明了身体部位和器官会对动作产生的影响和效果。这一点是中国钢琴演奏者较少关注的领域，仅限于要身体放松、保持手型等浅层。没有从演奏思维的角度进行思考，因此应得到充分的重视。

    这一点通过对两位名家演奏同一作品的比较就可以获得深刻认识。浪漫主义音乐巨匠舒曼的《梦幻曲》享誉世界，该曲篇幅不长，演奏难度也不大，主要表现的是对童年美好生活的回忆，整体风格温润细腻，优美动听。著名演奏家霍洛维茨和中国演奏家郎朗，曾分别在久负盛名的卡内基音乐厅先后演奏该曲。霍洛维茨的演奏可用一个“静”字来形容。他从容地坐到钢琴旁，眼睛始终盯着琴键，演奏过程中除了手部整个身体几乎纹丝不动，甚至给人以略显机械的感觉。但是演奏效果却出神入化，台下的观众屏气凝神，甚至有人在不知不觉中留下了热泪。对此霍洛维茨曾表示，自己之所以保持这种演奏姿势和状态，是因为自己深入俄罗斯钢琴学派的影响，认为任何多余的动作和表情都会影响到自己对乐句方向的明确和乐句之间关系的梳理。只有在全神贯注的状态下，才能将一颗颗音符串联起来，送到自己和观众的内心。与之形成鲜明对比的是中国演奏家郎朗。他在演奏该曲时候，包含头部、手臂、手指和表情的变化幅度都较大，甚至在右手演奏到长时值的音符时，左手还会情不自禁地打着节奏。当时有音乐评论家认为朗朗的整个动作设计过于花哨，有喧宾夺主之嫌。对此郎朗则解释其每一个动作和表情都不是凭空而至的，或来自于其脑海中的画面，或者是内心感觉的支配下的不由自主，自己已经完全沉入到了作品的氛围和意境中。如果没有了这些动作和表情的辅助，那么演奏效果注定是干巴巴的。事实上，两者的处理并无高低优劣之分，而且演奏效果同样获得了普遍认可。获得的关键启示在于，两者都克服了“身体的惰性”，都树立起了科学的演奏思维，明确知道要通过怎样的身体状态和动作设计去获得心目中理想的音色效果，而不是盲从于他人。在这种思维的支配和带动下，演奏者感到舒适与自然，高质量的演奏效果也自然是水到渠成。

    （二）演奏目标的细化

    亚历山大技术强调的心理、身体和音色的完美融合，其实是一种演奏目标的追求。多数演奏者既难以在短时间内达到这种程度，也不知道该朝着何种方向努力。原因在于没有将这个总目标进行细化。对此亚历山大技术则将整个演奏目标细分为了状态准备、演奏思考、身体运用和身心投入四个阶段。

    首先是状态准备。状态准备是指演奏者在演奏前自然、放松的情绪和状态。倘若演奏者身体不舒服或者情绪不佳，演奏的效果可想而知。反之，如果轻松愉悦，有相应的演奏兴趣和欲望，整个演奏状态也一定是积极高效的。其次是演奏思考。亚历山大技术中强调自我探索。即演奏者要思考和尝试怎样才能呈现出最理想的演奏效果。其中包含是否做好了充分准备、对现场演出环境是不是熟悉、有可能出现哪些突发问题等。对此一个有效的办法就是角色互换，从听众的角度对整个过程进行复盘，才能真正奏出让自己和观众都满意的效果。再次是身体运用。身体运用即对和谐、通畅的演奏状态的追求。对此亚历山大技术提出了两种通道。一个是音符通道，即音符与音符之间的连接与发展。要求音符之间要像小溪流水的一样自然，轻重疾徐尽在演奏者的把握，另一个是身体通道。演奏者的身体各部位都是处于积极的响应状态，各司其职的同时又组成一个整体。打通了以上两个通道，演奏便成为了一个自然的情感抒发的过程。最后是身心投入。当演奏者全身心投入到演奏中时，便会忘掉自己是谁，是作曲家还是作品中的主人公？演奏者一时也难以分辨。最终实现音乐自由精神的传达和人的自主权的彰显。可以看出，通过对将演奏目标的过程化细分，演奏者便可以对做什么和怎样做有更加清晰和直观的认识，为高质量的演奏打下坚实的基础。

    以《彩云追月》的演奏为例。《彩云追月》是中国钢琴改编曲的代表作，其原是一首民乐合奏，后由王建中将其改编为钢琴曲。首先，演奏者要激发起演奏这首曲目的兴趣和欲望。这种兴趣和欲望则来源于对作品的了解。对于中国钢琴改编曲而言，其在形式和内容上都与西方钢琴作品有所不同。比如在该曲中，在技法上的重要特色则在于遵循了中国音乐旋律线性发展的总体原则，并借助钢琴的音色优势对多种民乐器的音色进行了模仿。而在风格方面则主要表现为对彩云和明月竞相追逐这一唯美意境的描绘。了解到这些信息后，演奏者自然就会形成跃跃欲试的冲动，想要尝试着进行表现，这种状态下的演奏也一定是积极和高效的。其次，演奏者要通过对作品和个人能力的研判，确定出一套适宜的演奏方案。具体到该曲而言，应该把握两个要点：第一是对旋律歌唱性色彩的表现。该曲的旋律舒展温润，优美动听，左右手声部在衔接时一定要紧密而自然，给人以浑然一体之感。第二是对原乐器音色的呈现。在该曲中，钢琴先后模仿了琵琶、竹笛等多种音色，每一种乐器模仿都对应着不同的演奏技巧，需要演奏者灵活把握。把握好这两个要点，整个演奏也就成功了一半。再次，亚历山大技巧提出了能量通达的概念，在能量的带动下实现音符之间的连接，身体各个部分和器官运用自如。演奏者要想象着有一股气始终充盈在演奏的全过程，贯通肢体各部分力量，推动演奏向前发展，获得响而不炸、弱而不虚的效果。最后，演奏者需要树立起一种还原意识。比如在该曲中，描绘的对象是彩云和明月，对此演奏者就要先后将自己想象为彩云和明月，你追我赶，喧闹嬉戏，并利用精湛的技法将这幅画面展示在观众面前，获得与观众的情感共鸣。

    （三）演奏心态的调整

    亚历山大技巧中提到的“抑制论”和“建设性”休息，其实是对演奏者心态的建议。要求在演奏者在演奏过程中，特别是遇到困难的时候要积极调整心态，或放弃，或放缓，反而可以起到退一进二的效果。现实中，很多演奏者未能从自己的实际情况出发，执意要完成某个演奏任务，遇到困难后便出现紧张和焦虑，单纯地认为是自己努力不够，再投入巨大的时间和精力练习，不仅没有起色，甚至会对身体造成损伤。所以心态调整是至关重要的。

    首先，演奏者要通过对自己的清醒认识，果断放弃不可能完成的任务。钢琴演奏对演奏者的文化修养、演奏技术、音乐素质等都有着明确的要求。演奏者可以通过积极的训练去实现某种目标，但是当受到客观环境的限制时，也要主动放弃。这并非是退缩，而是对自身能力合理评估后的明智选择。一些演奏者执意要达到某种程度，甚至以牺牲身体健康为代价，造成难以弥补的损失。所以顺应人体生理规律和客观现实规律。其次，演奏者要主动缓解练习中的焦虑心理。很多演奏者在练习过程中，一遇到困难就会出现焦躁，并不断反问自己，为什么总是弹错？为什么练习了这么久速度还是上不去。对此一方面要求演奏者要认识到，任何高质量的演奏效果都不是一蹴而就的，都必须经过一个长期、曲折和反复的过程。过分的紧张和焦虑只能是欲速而不达。另一方面，之所以出现焦虑，是因为演奏中经常出现错误或没有达到预期效果。而造成这种现象的根本原因就在于心手不一，身体各个部位没有形成有效配合。对此要心无杂念，全神贯注于音乐本身，从演出开始到結尾，始终在心里默唱，通过肌肉记忆和身体习惯来演奏，而不是依靠理性分析和逻辑记忆来演奏，这样便可以最大化的保证整个演奏的投入程度，也尽可能减少了焦虑。心态顺畅平和了，演奏便不再有其它因素的干扰，人琴合一追求才能有实现的可能。最后，演奏者要对钢琴演奏技术外的多种因素有充分关注。比如亚历山大技术提到的舞台礼仪问题、演奏者的个人修养问题，都会对演奏者的心态产生不同程度的影响。要通过演奏者的关注和努力，将这些影响变为正面的、积极的，成为演奏的加分项。

    这方面的典范当属著名演奏家傅聪先生。傅聪自幼在父亲的傅雷的要求下学习钢琴，后远走波兰和英国继续深造。多年的海外留学经历让傅聪认识到，与西方演奏者相比，中国演奏者在演奏莫扎特、肖邦的作品时是具有先天性劣势的，而且这种源于文化语境的差异是无法弥补的。另一方面，又因为傅聪自幼博览群书，尤其钟爱中国古典文化，历朝历代的名著无所不通。所以其对这个问题进行了深入的思考。即一个中国演奏者如何面对外国钢琴作品。当客观现实无法改变的时候，能否另辟蹊径，开创出一片新天地。在明确了这个目标后，其开始有意识地将西方钢琴作品与中国古典文化相融合。在他看来，莫扎特就是中国的庄子，莫扎特洒脱自由，庄子则提倡逍遥之道。而肖邦则是中国的南唐后主李煜，当肖邦看到祖国波兰沦陷的时候，其痛苦无奈之情与李煜的“问君能有几多愁，恰似一江春水向东流”如出一辙。事实也充分证明，傅聪这种对现实情况进行研判后做出的新选择是极为成功的。当时的很多音乐评论家都表示，从来没有听过这种风格的肖邦，称赞其找到了开启肖邦音乐世界的一把新钥匙。同样，傅聪在学琴过程中，也背负着较为沉重的压力，遇到困难后难免会产生急躁心理。对此父亲傅雷则告诫他要走出琴房，多去博物馆看看，多去河边和森林散步，甚至给自己放几天假，以缓解自己紧绷的神经。即便是成名后，傅聪也仍然保持每天6到8个小时的练琴时间，目的就在于不断巩固自己的记忆，让身体和动作始终在正确、稳定的状态中，一坐到钢琴前，便如条件反射一般弹奏出音乐，将身体经验与审美艺术经验共同融合来完成作品，最后达到无我弹奏状态，实现了从直觉弹奏——自觉弹奏——无我弹奏的跨越与发展。

    四、结语

    在近现代中国音乐发展中，中国音乐工作者曾对西方音乐进行了全面的学习和借鉴，并获得了卓有成效的学习效果。亚历山大钢琴演奏技术作为近现代钢琴演奏理论的最新成果，也应该得到充分重视和全面学习。同时，在学习和运用过程中，要努力做到因地制宜和因时制宜。才能使该技术的价值和意义得到最大化的体现和发挥，同时也是对该技术本身的扩展与丰富。

    参考文献：

    [1]夏云.“亚历山大技术”及其在钢琴表演教学中的运用[J].人民音乐，2014（5）.

    [2]李蕊.基于亚历山大技术的钢琴演奏运动原理[J].艺术大观，2020（22）.

    [3]丁东红.基于身心和谐原理的音乐表演运动机能康复体系──“亚历山大技术”初探[J].乐府新声（沈阳音乐学院学报），2001（3）.

    [4]吴晓韬.亚历山大技巧与钢琴演奏和教学的融合[J].艺术研究，2009（2）.

    注：本文系浙江省高等教育“十三五”第二批教学改革研究项目《基于亚历山大技巧原理的钢琴课程改革与探索》研究成果，项目编号：jg20190536。

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